Peinture sur toile

Peinture sur toile » fauvism https://tableaupeinturesurtoile.com Sun, 28 Jun 2026 16:45:09 +0000 fr-FR hourly 1 https://wordpress.org/?v=4.1.1 Venise, fauvisme, huile sur toile, Fauvism oil on canvas Signed MANGUIN https://tableaupeinturesurtoile.com/venise-fauvisme-huile-sur-toile-fauvism-oil-on-canvas-signed-manguin/ https://tableaupeinturesurtoile.com/venise-fauvisme-huile-sur-toile-fauvism-oil-on-canvas-signed-manguin/#comments Thu, 06 Apr 2023 05:20:13 +0000 https://tableaupeinturesurtoile.com/venise-fauvisme-huile-sur-toile-fauvism-oil-on-canvas-signed-manguin/ Read more]]>
Venise, fauvisme, huile sur toile, Fauvism oil on canvas Signed MANGUIN

Venise, fauvisme, huile sur toile, Fauvism oil on canvas Signed MANGUIN

Fauvism paint of Venise signed with thick layers of colors display in an old golden wooden frame. Colors are very bright. Heritage found in a old french house attic. Cet item est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « fine-arte » et est localisé dans ce pays: FR. Cet article peut être expédié au pays suivant: Monde entier.

Authenticité: Inconnu
Type: Huile
Poids: 2.8kg
Quantité unitaire: 1
Style: Non-spécifié
Genre: Fauvisme
Caractéristiques: Signé
Longueur: 80
Thème: Pays du monde, Voyage
Largeur: 60
Artiste: Henri Manguin

]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/venise-fauvisme-huile-sur-toile-fauvism-oil-on-canvas-signed-manguin/feed/ 0 Maud GERARD (1915-2013) HsT / Ecole belge / Années 40 ou 50 Fauvisme Fauvism https://tableaupeinturesurtoile.com/maud-gerard-1915-2013-hst-ecole-belge-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism/ https://tableaupeinturesurtoile.com/maud-gerard-1915-2013-hst-ecole-belge-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism/#comments Sat, 22 Sep 2018 11:53:04 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/maud-gerard-1915-2013-hst-ecole-belge-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism/ Read more]]>

Maud GERARD (1915-2013) HsT / Ecole belge / Années 40 ou 50 Fauvisme Fauvism

Magnifique huile sur toile marouflée sur bois. Signée en bas à droite. Années 40 ou 50. 39 x 47 cm. Very beautiful Oil on Canvas glued on board. Handsigned on lower right. 15,3″ x 18,5″ in. Elle étudie à l’atelier Henriette BOSCHÉ en 1931. Ensuite, elle entre à l’Académie Royale des Beaux Arts de Bruxelles en 1931. Elle étudie la peinture avec Anto Carte de 1935 à 1937. Lauréate du concours de Peinture annuelle de l’Académie des Beaux Arts de Bruxelles en 1937. Elle étudie avec Isidore Opsomer à l’Institut de peinture d’Anvers. Boursière au « Prix de Rome », elle séjourne à Rome en 1941. Elle expose à la Galerie de la Licorne à Bruxelles en 1942. Exposition personnelle au Palais des Beaux Arts de Bruxelles en 1948. Elle expose à la Galerie Breughel à Bruxelles en 1952 et 1955. Elle a effectué de nombreux voyages en Europe, Afrique, New York, Washington et Amérique du Sud. Source le dictionnaire Piron. Maud Gerard was a long lived British born artist who was heavily influenced by the French Impressionists, so much so that she went to live and study in Belgium where she was then to spend the vast majority of her life. From the studio of the artist, these are beautifully handled and highly collectable. In 1931 Gerard was to enrole in L’Academie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles where she was to study under Henritte Bosche (later being invited to work at that painters studio). A trip during 1936 to Paris bought her into contact with paintings by Monet, the water lillies series being a particular favourite. Often very delictaely coloured, her work is a fascinating combination of Impressionism, Post-Impressionism and on occasion cubism. After a short spell under the instruction on Anto Carte (1935-37), her breakthrough came in 1937 when she won the annual painting competition of the Academy of Fine Arts in Brussels. Later, by invitation, Gerard was to study with Isidore Opsomer at the Institute of Antwerp. Her legacy was cemented as early as 1948, when she was invited to hold a solo exhibition of her work at The Beaux Arts de Bruxelles to much acclaim. LAlternative figurative ou la Jeune peinture. Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, les années 1950 en France sont caractérisées par lexpression dinterrogations existentielles, reflets de langoisse et des incertitudes dune humanité qui découvre létendue de lhorreur nazie, puis les désillusions de la guerre froide. Cette période révèle une nouvelle génération de peintres mûris précocement par les souffrances et les privations des années noires. Ils proposent une vision du monde où lHomme, et non lIdée, occupe une place centrale. Un demi-siècle a passé. Le temps est venu de rendre hommage à ces artistes, à ces collectionneurs, publics et privés, qui ont eu à cur de défendre une alternative figurative face à labstraction conquérante. Françoise Adnet, Paul Aïzpiri, Jean-Pierre Alaux, Guy Bardone, Richard Bellias, André Brasilier, Bernard Buffet, Jacques Busse, Jean-Marie Calmettes, Jean Chevolleau, Paul Collomb, Jean Commère, Jean Cortot, Daniel Dalmbert, Michel de Gallard, René Genis, Raymond Guerrier, Vincent Guignebert, Paul Guiramand, Camille Hilaire, Jean Jansem, Jacques Lagrange, Bernard Lorjou, Jean Marzelle, André Minaux, Marcel Mouly, Michel Patrix, Pierre-Henry , Jean Pollet, Raoul Pradier, Daniel Ravel, Paul Rebeyrolle, Claude Schürr, Michel Thompson, Maurice Verdier, Claude Weisbuch, Nouvelle Ecole de Paris. L’item « Maud GERARD (1915-2013) HsT / Ecole belge / Années 40 ou 50 Fauvisme Fauvism » est en vente depuis le mardi 4 février 2014. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « galerie_d.art » et est localisé à/en Paris. Cet article peut être expédié aux pays suivants: Amérique, Europe, Asie, Australie.

Type: Huile
Période: XXème et contemporain
Genre: Impressionnisme
Thème: Nature morte
Caractéristiques: Signé

]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/maud-gerard-1915-2013-hst-ecole-belge-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism/feed/ 0 Charlotte DORAT-IBELS (1904-) HsT Signée Fauvisme Fauvism Années 30′ ou 40 https://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40-2/ https://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40-2/#comments Sun, 12 Aug 2018 14:03:37 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40-2/ Read more]]>

Charlotte DORAT-IBELS (1904-) HsT Signée Fauvisme Fauvism Années 30' ou 40

Magnifique huile sur toile fauviste. Nature morte au poêle. Années 30 ou 40. 35 x 24 cm. Very Beautiful Fauvist Oil on canvas. Handsigned on the back. Still Life with stove. 13.8″ x 9.45″ in. Charlotte Dorat-Ibels née en 1904, peintre école de Paris active dès les années 30. Nombreux salons : Populiste, Tuileries, Automne.. Charlotte Dorat-Ibels borned in 1904, school of Paris in the thirties. Many salons in Paris: Populiste, Tuileries, Automne.. Le fauvisme est venu du fait que nous nous placions tout à fait loin des couleurs d’imitation et qu’avec les couleurs pures nous obtenions des réactions plus fortes. Le fauvisme est un courant de peinture du début du XXe siècle. Tiré d’une expression du journaliste Louis Vauxcelles, il débuta historiquement à l’automne 1905, lors du Salon d’automne qui créa scandale, pour s’achever moins de dix ans plus tard, au début des années 1910. En fait, dès 1908, il est déjà à son crépuscule. Son influence marqua néanmoins tout l’art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le précurseur du fauvisme était Henri Matisse, mais d’autres artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Braque en ont fait partie. Dans un article « le Salon d’automne » publié dans le Gil blas le 17 octobre 1905, Vauxcelles décrit le salon salle par salle. Il écrit notamment Salle N°VII MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Salle archi-claire, des oseurs, des outranciers, de qui il faut déchiffrer les intentions, en laissant aux malins et aux sots le droit de rire, critique trop aisée. Au centre de la salle, un torse d’enfant et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui modèle avec une science délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l’orgie des tons purs : Donatello chez les fauves. Le fauvisme est caractérisé par l’audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres avaient recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquaient un art fondé sur l’instinct. Ils séparaient la couleur de sa référence à l’objet afin d’accentuer l’expression et réagissaient de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l’impressionnisme. Les sources et objectifs du fauvisme Plusieurs influences communes peuvent être reconnues dans les uvres de ses artistes. Nous assistons, aux alentours de 1900, à un retour imposant de la couleur qui s’avèrera d’autant plus violent que cette couleur semble avoir difficilement supporté l’éclipse assez courte que lui ont fait subir les nabis. Les conceptions lumineuses du « pleinairisme » ensoleillé des impressionnistes se sont effacées devant les faibles éclairages de la lampe des Nabis. Des scènes d’intérieur, des tonalités volontairement assourdies et fidèles au jeu de nuances timides et discrètes, de grands aplats colorés, de radieuses illuminations, d’éclatantes architectures, des scènes de famille sagement bourgeoise à travers la lumière factice du jour venue de fenêtres disparaissant sous des rideaux.. Les impressionnistes constituent la première source. Leurs touches particulières, qui juxtaposent des couleurs pures au lieu de les mélanger, laissant à l’il du spectateur le soin d’effectuer un travail de recomposition, sont reprises par Matisse, qui fut élève de Paul Signac à l’été 1904, et qui les transmet à son tour à Derain. Luxe, calme et volupté (1904) en est un exemple emblématique. Manguin lui-même est à la fois proche de Matisse et de Signac ou Cross, peintres divisionnistes s’il en est, tandis que Camoin fait directement référence à Manet par la concision de son dessin. Les couleurs cristallines impressionnistes sont également reprises, notamment par Manguin, dont la palette est dominée par des tons jaunes et orangés lumineux. Raoul Dufy, quant à lui, reprend fréquemment le thème de la Rue Montorgueil de. Monet, dans ses 14. Juillet au Havre ou rue pavoisée. Le déploiement des drapeaux en travers de la rue est prétexte au déploiement de la couleur, ce que Monet avait déjà remarqué, et que Marquet avait utilisé la. Même année (14 juillet au Havre). Néanmoins, la composition, avec les lignes des drapeaux qui s’entrecroisent, est. C’est, de ce fait, une revanche forte des couleurs, des lumières et du plein air qui va éclater et qui va entrainer dans la peinture des bouleversements dont il est alors difficile de prévoir les conséquences. C’est donc au Salon d’Automne, alors qu’une salle avait été réservée aux uvres du nouveau groupe d’artistes, que les mots de : « scandale, fumisterie, démence, ignorance » avaient accueilli les tentatives tumultueuses de ces jeunes gens. Le critique Louis Vauxcelles, parlant de la petite tête d’un enfant d’inspiration florentine, uvre du sculpteur Marque, la désigna comme : « Donatello au milieu des fauves ». Cette expression fit fortune et fut utilisée pour définir ce mouvement de Fauvisme. De très jeunes peintres, quelque époque à laquelle ils appartiennent, n’ont jamais rejeté cette parole de l’Écriture : « Il faut tuer ce qui nous précède ». Or, c’est aux alentours de leur vingtième année et sur leurs professeurs que ces jeunes fauves se firent leurs premières dents. À la suite d’une sorte de hasard, l’Académie Julian et l’École des Beaux-Arts virent les apparitions successives de Marquet, Rouault, Camoin, Manquin, Dufy, Braque et à l’atelier Carrière celles de Matisse, Puy, Derain, Laprade, Chabaud parmi les plus valeureux du groupe. Dufy, Marquet, Mérodack-Jeanneau ou Girieud utilisent plutôt la technique de Gauguin, avec de grands aplats. Matisse et Derain n’hésitent pas non plus à s’en servir, et oscillent parfois entre les influences pointillistes et de Gauguin. Dans Japonaise au bord de l’eau Matisse montre cette hésitation, en utilisant des touches assez longues quoique distantes l’une de l’autre, et même, à certains moments, des aplats. De même, Derain compose parfois ses toiles avec de larges rubans de couleurs (Le faubourg de Collioure, 1905), alors que, dans des uvres contemporaines (Bateaux dans le port de Collioure, Effets de soleil sur l’eau), il n’utilise que de petites touches juxtaposées. Le style de Gauguin se retrouve dans un autre élément : l’utilisation du cerne autour des personnages. Celui-ci est particulièrement visible dans la danse d’André Derain (1906). Matisse serait, dans son enthousiasme prononcé pour la couleur et pour la matière, à l’origine de ce mouvement. Il s’attache à lui seul à développer en profondeur certaines données du Fauvisme, notamment lorsque ses compagnons de la première heure abandonnent la nouvelle esthétique pour retourner à des conceptions plus traditionnelles. L’influence de Matisse, autant en France qu’à l’étranger, sur sa génération autant que sur les suivantes, est due à l’universalité d’un art prestigieux qui déborda largement les données propres du Fauvisme plutôt qu’à sa position de chef d’école. C’est sous la conduite de Matisse et aussi sous l’influence de Van Gogh que les futurs fauves Vlaminck, Derain, Manguin… Expriment dans leurs envois au Salon d’Automne un farouche et virulent enthousiasme pour les joies dynamiques des tons les plus crus. Tout de même conscients de cette fragilité de la couleur, ils réagissent contre un Impressionnisme auquel. Cézanne, Renoir ou Gauguin. Son manque de structure, son refus de la notion de permanence. D’autre part les fauves se proposent d’imaginer une réalité plus authentique que celle des apparences, construite solidement par les tons purs. Cette imagination de la réalité a comme source selon Matisse : des chocs émotifs, survenus comme des coups de foudre ou autres images dans le cerveau du Poète. La nouvelle esthétique s’appuie sur des thèmes précis comme l’opposition aux nuances de la palette impressionniste, le goût du monumental, le refus de l’évocation réaliste de la nature et les recherches de transpositions de la couleur. On trouve des visions féériques et multicolores de ciels verts, de fleurs rouges vermillon, d’arbres couleur citron, de visages vert émeraude et ceci, dans l’intention de substituer aux harmonies mesurées mais conventionnelles de l’écriture traditionnelles, des polyphonies colorées par l’emploi de la couleur telle que sortie des tubes que Derain comparera à des cartouches de dynamite. Cézanne aussi est une source d’inspiration importante. Dans La Gitane de 1905, peinte à Saint-Tropez 1, Matisse reprend ainsi la géométrisation du corps des personnages caractéristique du solitaire d’Aix. Derain quant à lui s’en inspire dans La danse, pour mener sa réflexion sur la place de la figure humaine dans un paysage, autant que dans Les baigneuses de 1907, pour styliser ses figures. De même, la composition du Port de Collioure, très réfléchie, fait beaucoup penser à Cézanne. Chez Vlaminck, c’est plutôt l’héritage de Van Gogh que l’on retrouve, comme le montre Partie de campagne réalisée en 1907. Bien qu’hostile aux institutions muséales, il avait découvert cet artiste lors d’une exposition en 1901 chez Bernheim-Jeune, ce qui avait définitivement orienté sa carrière vers la peinture. C’est d’ailleurs à cette même exposition que Derain le présenta à Matisse. Je ne vais jamais au musée, j’en hais l’odeur, la monotonie. Je déteste le mot » classique ». La science me fait mal aux dents. Cette phrase est révélatrice de l’état d’esprit de l’artiste. Il a d’ailleurs toujours refusé de passer pour tel et décida de se former lui-même. Il aime les séduisantes imageries pour leur évocation haute en couleurs, leurs oppositions décidées, pour ce lyrisme léger. Son sentiment de la nature s’affirme aussi comme condition populaire. Sa nature est romancée. Derain le qualifiait comme étant « le plus peintre d’entre nous ». Bien plus que le roman, que la musique, la peinture correspondait chez lui au besoin d’une matière plus concrète capable d’exprimer toute la sensualité d’un empirisme naturel. André Derain effectue sa première contribution au mouvement par une adhésion au principe de l’organisation d’un espace réalisé en fonction de la surface de la toile. Il manifeste à ses débuts un certain esprit d’indécision originaire de son instinct de peintre et d’une culture très étendue ainsi que d’un conflit entre les deux notions. Cette condition là s’aggravera du fait que Matisse et Vlaminck présentent, l’un avec sa prudence, l’autre avec son instinct non contrôlé, deux tendances dont il percevait les effets successifs contraignants. Les amis de Derain connaitront en lui un maître du pinceau, une touche puissante, une aisance sereine et avec une sureté des nuances et aux accents purs et décidés déjà à une virtuosité surprenante, portant la marque d’un tempérament. » Le grand danger pour l’art, c’est l’excès de culture » Que gagne-t-on à manquer de culture? Derain Tout ceci s’exprime donc d’abord par un coloris exubérant donc Derain va s’attacher à pousser l’intensité à un paroxysme dont Vlaminck lui même demeurera le premier surpris, dans une intention de réaliser des harmonies plutôt que des symphonies colorées. Derain est donc le premier à remarquer que la technique des fauves pouvait construire mais pas architecturer une toile. Il est très curieux mais pas forcément audacieux et on s’en apercevra quand le Cubisme l’invitera à surpasser les limites que son instinct le poussait à franchir mais que son esprit le. Contraindra finalement à respecter. Il avait pressenti qu’il existe deux cultures : celle qui. Assimilée, et celle qui ne constitue qu’un simple ornement de l’esprit. C’est à ce dilemme que son uvre se heurte. Si ces hésitations l’ont privé d’une originalité qu’il souhaitait éventuellement, elles ont contribué chez lui à des réussites éclatantes, notamment dans ses compositions fauves. Enfin, une dernière influence : celle des « arts premiers », océanien et africain. Ces arts exotiques, très décriés au XIXe siècle pour leur «laideur» et remis à l’honneur par Gauguin, sont collectionnés par les artistes qui les découvrent lors des expositions universelles. De nombreuses uvres présentent des personnages aux visages stylisés en forme de masque, comme c’est le cas par exemple pour La Gitane de Matisse. Les Fauves s’avisent d’ordre, de mesure dans un domaine où ils redoutent les pires excès, les pires erreurs. Ils usèrent d’un moyen étonnamment brillant : charger la couleur d’organiser sa propre discipline. Le sujet n’est considéré que sous l’angle de sa seule fonction plastique et désormais, le degré d’intensité du ton, la mesure des surfaces peintes, la répartition des blancs, la distribution des cernes expressifs, le développement des arabesques inspirées favorisent la cohésion et l’équilibre souhaités. L’éternel problème de la profondeur et de l’illusion de l’espace est résolu par la puissance et le choix de la place des tons. La lumière n’est plus source d’éclairage, mais d’intensité et tout accident est rejeté au bénéfice de l’essentiel. La simplification est la garantie de la multiplicité des tons. Une toute nouvelle grammaire est imaginée, codifiée selon des logiques personnelles et sans doute l’intention suprême de l’artiste reste de retrouver la sensation première du choc éprouvé et les fauves entendaient laisser l’instinct s’organiser de façon à ne pas trahir la liberté qu’il avait prise vis-à-vis de l’objet de son émotion. Les fauves ne veulent plus compromettre leurs chances d’être compris. Ce mouvement ne durera cependant que le temps de voir surgir quelques uvres magnifiques de lyrisme et de couleurs. La dispersion rapide des fauves atteste que la tentative ne fut pas menée au bout de ses conséquences. Il existe une marge qui reste considérable entre ce que les fauves voulaient être et ce qu’ils sont devenus. Matisse commença à sentir les limites du mouvement et il n’osa pas les franchir, de peur de rompre avec une réalité traditionnelle de la nature dont il ne pouvait se passer. Finalement, le fauvisme s’affirme plus comme une technique qu’une esthétique. L’item « Charlotte DORAT-IBELS (1904-) HsT Signée Fauvisme Fauvism Années 30′ ou 40″ est en vente depuis le jeudi 3 avril 2014. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « galerie_d.art » et est localisé à/en Paris. Cet article peut être expédié aux pays suivants: Amérique, Europe, Asie, Australie.

Type: Huile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Thème: Nature morte
Caractéristiques: Signé
Style: 1930-1940

]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40-2/feed/ 0 Charlotte DORAT-IBELS (1904-) HsT Signée Fauvisme Fauvism Années 30′ ou 40 https://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40/ https://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40/#comments Thu, 26 Apr 2018 21:43:06 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40/ Read more]]>

Magnifique huile sur toile fauviste. Signée en bas à droite. Années 30 ou 40. 46 x 33 cm. Bon état avec des sauts de peinture en bas. Very Beautiful Fauvist Oil on canvas. Handsigned on lower right. 18.1″ x 13.0″ in. Good condition with some jumps paint. Charlotte Dorat-Ibels née en 1904, peintre école de Paris active dès les années 30. Nombreux salons : Populiste, Tuileries, Automne.. Charlotte Dorat-Ibels borned in 1904, school of Paris in the thirties. Many salons in Paris: Populiste, Tuileries, Automne.. Le fauvisme est venu du fait que nous nous placions tout à fait loin des couleurs d’imitation et qu’avec les couleurs pures nous obtenions des réactions plus fortes. Le fauvisme est un courant de peinture du début du XXe siècle. Tiré d’une expression du journaliste Louis Vauxcelles, il débuta historiquement à l’automne 1905, lors du Salon d’automne qui créa scandale, pour s’achever moins de dix ans plus tard, au début des années 1910. En fait, dès 1908, il est déjà à son crépuscule. Son influence marqua néanmoins tout l’art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le précurseur du fauvisme était Henri Matisse, mais d’autres artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Braque en ont fait partie. Dans un article « le Salon d’automne » publié dans le Gil blas le 17 octobre 1905, Vauxcelles décrit le salon salle par salle. Il écrit notamment Salle N°VII MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Salle archi-claire, des oseurs, des outranciers, de qui il faut déchiffrer les intentions, en laissant aux malins et aux sots le droit de rire, critique trop aisée. Au centre de la salle, un torse d’enfant et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui modèle avec une science délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l’orgie des tons purs : Donatello chez les fauves. Le fauvisme est caractérisé par l’audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres avaient recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquaient un art fondé sur l’instinct. Ils séparaient la couleur de sa référence à l’objet afin d’accentuer l’expression et réagissaient de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l’impressionnisme. Les sources et objectifs du fauvisme Plusieurs influences communes peuvent être reconnues dans les uvres de ses artistes. Nous assistons, aux alentours de 1900, à un retour imposant de la couleur qui s’avèrera d’autant plus violent que cette couleur semble avoir difficilement supporté l’éclipse assez courte que lui ont fait subir les nabis. Les conceptions lumineuses du « pleinairisme » ensoleillé des impressionnistes se sont effacées devant les faibles éclairages de la lampe des Nabis. Des scènes d’intérieur, des tonalités volontairement assourdies et fidèles au jeu de nuances timides et discrètes, de grands aplats colorés, de radieuses illuminations, d’éclatantes architectures, des scènes de famille sagement bourgeoise à travers la lumière factice du jour venue de fenêtres disparaissant sous des rideaux.. Les impressionnistes constituent la première source. Leurs touches particulières, qui juxtaposent des couleurs pures au lieu de les mélanger, laissant à l’il du spectateur le soin d’effectuer un travail de recomposition, sont reprises par Matisse, qui fut élève de Paul Signac à l’été 1904, et qui les transmet à son tour à Derain. Luxe, calme et volupté (1904) en est un exemple emblématique. Manguin lui-même est à la fois proche de Matisse et de Signac ou Cross, peintres divisionnistes s’il en est, tandis que Camoin fait directement référence à Manet par la concision de son dessin. Les couleurs cristallines impressionnistes sont également reprises, notamment par Manguin, dont la palette est dominée par des tons jaunes et orangés lumineux. Raoul Dufy, quant à lui, reprend fréquemment le thème de la Rue Montorgueil de. Monet, dans ses 14. Juillet au Havre ou rue pavoisée. Le déploiement des drapeaux en travers de la rue est prétexte au déploiement de la couleur, ce que Monet avait déjà remarqué, et que Marquet avait utilisé la. Même année (14 juillet au Havre). Néanmoins, la composition, avec les lignes des drapeaux qui s’entrecroisent, est. C’est, de ce fait, une revanche forte des couleurs, des lumières et du plein air qui va éclater et qui va entrainer dans la peinture des bouleversements dont il est alors difficile de prévoir les conséquences. C’est donc au Salon d’Automne, alors qu’une salle avait été réservée aux uvres du nouveau groupe d’artistes, que les mots de : « scandale, fumisterie, démence, ignorance » avaient accueilli les tentatives tumultueuses de ces jeunes gens. Le critique Louis Vauxcelles, parlant de la petite tête d’un enfant d’inspiration florentine, uvre du sculpteur Marque, la désigna comme : « Donatello au milieu des fauves ». Cette expression fit fortune et fut utilisée pour définir ce mouvement de Fauvisme. De très jeunes peintres, quelque époque à laquelle ils appartiennent, n’ont jamais rejeté cette parole de l’Écriture : « Il faut tuer ce qui nous précède ». Or, c’est aux alentours de leur vingtième année et sur leurs professeurs que ces jeunes fauves se firent leurs premières dents. À la suite d’une sorte de hasard, l’Académie Julian et l’École des Beaux-Arts virent les apparitions successives de Marquet, Rouault, Camoin, Manquin, Dufy, Braque et à l’atelier Carrière celles de Matisse, Puy, Derain, Laprade, Chabaud parmi les plus valeureux du groupe. Dufy, Marquet, Mérodack-Jeanneau ou Girieud utilisent plutôt la technique de Gauguin, avec de grands aplats. Matisse et Derain n’hésitent pas non plus à s’en servir, et oscillent parfois entre les influences pointillistes et de Gauguin. Dans Japonaise au bord de l’eau Matisse montre cette hésitation, en utilisant des touches assez longues quoique distantes l’une de l’autre, et même, à certains moments, des aplats. De même, Derain compose parfois ses toiles avec de larges rubans de couleurs (Le faubourg de Collioure, 1905), alors que, dans des uvres contemporaines (Bateaux dans le port de Collioure, Effets de soleil sur l’eau), il n’utilise que de petites touches juxtaposées. Le style de Gauguin se retrouve dans un autre élément : l’utilisation du cerne autour des personnages. Celui-ci est particulièrement visible dans la danse d’André Derain (1906). Matisse serait, dans son enthousiasme prononcé pour la couleur et pour la matière, à l’origine de ce mouvement. Il s’attache à lui seul à développer en profondeur certaines données du Fauvisme, notamment lorsque ses compagnons de la première heure abandonnent la nouvelle esthétique pour retourner à des conceptions plus traditionnelles. L’influence de Matisse, autant en France qu’à l’étranger, sur sa génération autant que sur les suivantes, est due à l’universalité d’un art prestigieux qui déborda largement les données propres du Fauvisme plutôt qu’à sa position de chef d’école. C’est sous la conduite de Matisse et aussi sous l’influence de Van Gogh que les futurs fauves Vlaminck, Derain, Manguin… Expriment dans leurs envois au Salon d’Automne un farouche et virulent enthousiasme pour les joies dynamiques des tons les plus crus. Tout de même conscients de cette fragilité de la couleur, ils réagissent contre un Impressionnisme auquel. Cézanne, Renoir ou Gauguin. Son manque de structure, son refus de la notion de permanence. D’autre part les fauves se proposent d’imaginer une réalité plus authentique que celle des apparences, construite solidement par les tons purs. Cette imagination de la réalité a comme source selon Matisse : des chocs émotifs, survenus comme des coups de foudre ou autres images dans le cerveau du Poète. La nouvelle esthétique s’appuie sur des thèmes précis comme l’opposition aux nuances de la palette impressionniste, le goût du monumental, le refus de l’évocation réaliste de la nature et les recherches de transpositions de la couleur. On trouve des visions féériques et multicolores de ciels verts, de fleurs rouges vermillon, d’arbres couleur citron, de visages vert émeraude et ceci, dans l’intention de substituer aux harmonies mesurées mais conventionnelles de l’écriture traditionnelles, des polyphonies colorées par l’emploi de la couleur telle que sortie des tubes que Derain comparera à des cartouches de dynamite. Cézanne aussi est une source d’inspiration importante. Dans La Gitane de 1905, peinte à Saint-Tropez 1, Matisse reprend ainsi la géométrisation du corps des personnages caractéristique du solitaire d’Aix. Derain quant à lui s’en inspire dans La danse, pour mener sa réflexion sur la place de la figure humaine dans un paysage, autant que dans Les baigneuses de 1907, pour styliser ses figures. De même, la composition du Port de Collioure, très réfléchie, fait beaucoup penser à Cézanne. Chez Vlaminck, c’est plutôt l’héritage de Van Gogh que l’on retrouve, comme le montre Partie de campagne réalisée en 1907. Bien qu’hostile aux institutions muséales, il avait découvert cet artiste lors d’une exposition en 1901 chez Bernheim-Jeune, ce qui avait définitivement orienté sa carrière vers la peinture. C’est d’ailleurs à cette même exposition que Derain le présenta à Matisse. Je ne vais jamais au musée, j’en hais l’odeur, la monotonie. Je déteste le mot » classique ». La science me fait mal aux dents. Cette phrase est révélatrice de l’état d’esprit de l’artiste. Il a d’ailleurs toujours refusé de passer pour tel et décida de se former lui-même. Il aime les séduisantes imageries pour leur évocation haute en couleurs, leurs oppositions décidées, pour ce lyrisme léger. Son sentiment de la nature s’affirme aussi comme condition populaire. Sa nature est romancée. Derain le qualifiait comme étant « le plus peintre d’entre nous ». Bien plus que le roman, que la musique, la peinture correspondait chez lui au besoin d’une matière plus concrète capable d’exprimer toute la sensualité d’un empirisme naturel. André Derain effectue sa première contribution au mouvement par une adhésion au principe de l’organisation d’un espace réalisé en fonction de la surface de la toile. Il manifeste à ses débuts un certain esprit d’indécision originaire de son instinct de peintre et d’une culture très étendue ainsi que d’un conflit entre les deux notions. Cette condition là s’aggravera du fait que Matisse et Vlaminck présentent, l’un avec sa prudence, l’autre avec son instinct non contrôlé, deux tendances dont il percevait les effets successifs contraignants. Les amis de Derain connaitront en lui un maître du pinceau, une touche puissante, une aisance sereine et avec une sureté des nuances et aux accents purs et décidés déjà à une virtuosité surprenante, portant la marque d’un tempérament. » Le grand danger pour l’art, c’est l’excès de culture » Que gagne-t-on à manquer de culture? Derain Tout ceci s’exprime donc d’abord par un coloris exubérant donc Derain va s’attacher à pousser l’intensité à un paroxysme dont Vlaminck lui même demeurera le premier surpris, dans une intention de réaliser des harmonies plutôt que des symphonies colorées. Derain est donc le premier à remarquer que la technique des fauves pouvait construire mais pas architecturer une toile. Il est très curieux mais pas forcément audacieux et on s’en apercevra quand le Cubisme l’invitera à surpasser les limites que son instinct le poussait à franchir mais que son esprit le. Contraindra finalement à respecter. Il avait pressenti qu’il existe deux cultures : celle qui. Assimilée, et celle qui ne constitue qu’un simple ornement de l’esprit. C’est à ce dilemme que son uvre se heurte. Si ces hésitations l’ont privé d’une originalité qu’il souhaitait éventuellement, elles ont contribué chez lui à des réussites éclatantes, notamment dans ses compositions fauves. Enfin, une dernière influence : celle des « arts premiers », océanien et africain. Ces arts exotiques, très décriés au XIXe siècle pour leur «laideur» et remis à l’honneur par Gauguin, sont collectionnés par les artistes qui les découvrent lors des expositions universelles. De nombreuses uvres présentent des personnages aux visages stylisés en forme de masque, comme c’est le cas par exemple pour La Gitane de Matisse. Les Fauves s’avisent d’ordre, de mesure dans un domaine où ils redoutent les pires excès, les pires erreurs. Ils usèrent d’un moyen étonnamment brillant : charger la couleur d’organiser sa propre discipline. Le sujet n’est considéré que sous l’angle de sa seule fonction plastique et désormais, le degré d’intensité du ton, la mesure des surfaces peintes, la répartition des blancs, la distribution des cernes expressifs, le développement des arabesques inspirées favorisent la cohésion et l’équilibre souhaités. L’éternel problème de la profondeur et de l’illusion de l’espace est résolu par la puissance et le choix de la place des tons. La lumière n’est plus source d’éclairage, mais d’intensité et tout accident est rejeté au bénéfice de l’essentiel. La simplification est la garantie de la multiplicité des tons. Une toute nouvelle grammaire est imaginée, codifiée selon des logiques personnelles et sans doute l’intention suprême de l’artiste reste de retrouver la sensation première du choc éprouvé et les fauves entendaient laisser l’instinct s’organiser de façon à ne pas trahir la liberté qu’il avait prise vis-à-vis de l’objet de son émotion. Les fauves ne veulent plus compromettre leurs chances d’être compris. Ce mouvement ne durera cependant que le temps de voir surgir quelques uvres magnifiques de lyrisme et de couleurs. La dispersion rapide des fauves atteste que la tentative ne fut pas menée au bout de ses conséquences. Il existe une marge qui reste considérable entre ce que les fauves voulaient être et ce qu’ils sont devenus. Matisse commença à sentir les limites du mouvement et il n’osa pas les franchir, de peur de rompre avec une réalité traditionnelle de la nature dont il ne pouvait se passer. Finalement, le fauvisme s’affirme plus comme une technique qu’une esthétique. L’item « Charlotte DORAT-IBELS (1904-) HsT Signée Fauvisme Fauvism Années 30′ ou 40″ est en vente depuis le jeudi 29 septembre 2016. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « galerie_d.art » et est localisé à/en Paris. Cet article peut être expédié aux pays suivants: Amérique, Europe, Asie, Australie.

Type: Huile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Caractéristiques: Signé
Style: 1930-1940
Thème: Scène de genre

]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/charlotte-dorat-ibels-1904-hst-signee-fauvisme-fauvism-annees-30-ou-40/feed/ 0 PASQUIER (XX) HsT Signée datée 1964 / Nu / Pin up / Art déco / Fauvisme Fauvism https://tableaupeinturesurtoile.com/pasquier-xx-hst-signee-datee-1964-nu-pin-up-art-deco-fauvisme-fauvism/ https://tableaupeinturesurtoile.com/pasquier-xx-hst-signee-datee-1964-nu-pin-up-art-deco-fauvisme-fauvism/#comments Sat, 21 Apr 2018 14:34:19 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/pasquier-xx-hst-signee-datee-1964-nu-pin-up-art-deco-fauvisme-fauvism/ Read more]]>

PASQUIER (XX) HsT Signée datée 1964 / Nu / Pin up / Art déco / Fauvisme Fauvism

Magnifique Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. Nu sur fond rouge. 40 x 60 cm. Very Beautiful Oil on Canvas. Handsigned and dated on lower right. Pin up on red background. 15.7″ x 23.6″ in. Ecole française, Art déco. French School, Art Deco. L’Art déco est un mouvement artistique né au cours des années 1910 et qui a pris son plein épanouissement au cours des années 1920 avant de décliner dans les années 1930. Il fut extrêmement vivace surtout dans les Arts décoratifs, l’architecture, le design, la mode et le costume, mais concerna en fait plus ou moins toutes les formes d’arts plastiques. Il est le premier style à avoir eu une diffusion mondiale, touchant principalement la France, la Belgique, tous les pays anglo-saxons Royaume-uni, États-Unis, Canada, Australie, Nouvelle-Zélande, Inde, Philippines, etc. , ainsi que plusieurs villes chinoises telles Shanghai ou Hong Kong. Le style Art déco tire son nom de l’Exposition internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes qui se tient à Paris en 1925. Vocabulaire prenant des formes différentes selon les régions, les architectes et leurs clients, son unité stylistique tient à l’emploi de la géométrie (et à la géométrisation) à des fins décoratives. Sans leader véritable, ni théorie, ce style fut critiqué dès ses premières années pour sa superficialité. Il était particulièrement employé pour tous les édifices devant valoriser l’image de son commanditaire ou évoquant les loisirs : l’architecture commerciale boutique, siège social, etc. , les théâtres et cinémas mais aussi l’architecture domestique (le décor servant de signe de distinction sociale). Touchant d’abord les classes les plus aisées, il se propagea rapidement dans l’ensemble du corps social et devint très populaire. Un mouvement de réaction contre lArt nouveau apparaît dès le début du siècle en France, et encore plus tôt à létranger comme en Belgique, en Allemagne, aux Pays-Bas, etc. Certains qualifient déjà les formes Art nouveau de « molles » ou encore de « style nouille » (nou). Ils sorientent dès lors vers des lignes simples, des compositions classiques et un emploi parcimonieux du décor. Ce désir de retour à l’ordre, à la symétrie et à la sobriété prend différentes expressions selon les pays. En Autriche, par exemple, la ligne ondoyante des premiers temps de l’Art nouveau est rapidement remplacée par un réseau de lignes orthogonales et les volumes simples sous l’influence de l’architecte et designer écossais Charles Rennie Mackintosh. Josef Hoffmann, Koloman Moser, Otto Wagner et les Wiener Werkstätte sont les artistes emblématiques de cette tendance. Les intérieurs, connus par photographies, mobilisent l’ensemble des Wiener Werkstätte et le peintre Gustav Klimt. En France, les premiers signes de cette volonté de changement sont perceptibles dès les années 1900. En 1907, Eugène Grasset publie une Méthode de composition ornementale qui donne la part belle aux formes géométriques et à ses déclinaisons et tranche avec la liberté ondoyante du style Guimard, si prisé à Paris quelques années plus tôt. L’année suivante, Paul Iribe. Dessine pour Paul Poiret un album de mode dont l’esthétique frappe le milieu parisien par sa nouveauté. Troisième événement important, le Salon d’Automne de 1910. Voit l’invitation des artistes munichois qui depuis plusieurs années avaient. Adopté des formes strictes et. Autour de 1910, les décorateurs français André Mare et Louis Süe font eux aussi évoluer leur style vers davantage de rigueur et de retenu. Enfin, entre 1910 et 1913, a lieu le chantier du théâtre des Champs-Élysées, autre signe du changement esthétique radical que connaît le milieu parisien d’alors. D’abord confiés à Henry Van de Velde, la conception et le chantier reviennent rapidement à Auguste Perret. La composition rigoureuse de la façade et la place mesurée laissée au décor frappent les esprits lors de l’inauguration en 1913. Ces évolutions sont résumées en 1912 sous la plume d’André Vera. Son article Le Nouveau style, paru dans la revue L’Art décoratif, exprime le rejet des formes Art nouveau (asymétriques, polychromes, pittoresques, qui excitent davantage les sentiments que la raison), et appelle à une « simplicité volontaire », à une « matière unique » et à une « symétrie manifeste ». La fin de l’article exhorte les artistes à s’inspirer du classicisme du XVIIe siècle marqué par « la clarté, l’ordre et l’harmonie » et à reprendre le fil de l’histoire des styles français à partir de la période Louis-Philippe, sans pasticher. Derniers mots de Vera décrivent deux thèmes qui seront omniprésents dans le futur style Art déco : « la corbeille et la guirlande de fleurs et de fruits ». L’influence de la peinture ne doit pas être négligée dans l’explication de ces évolutions. Ces années 1910 sont le moment de diffusion et popularisation du fauvisme et plus encore du cubisme. Les peintres de la Section d’or exposent des uvres souvent plus accessibles pour le public. Que ne l’étaient celles des Picasso et Braque de. La période du cubisme analytique. Les thèmes sport, ouvrier, etc. Et les couleurs chatoyantes tranchent avec les natures mortes fragmentées et avant-gardistes des pionniers du mouvement. Le vocabulaire cubiste est mûr pour séduire les créateurs de mode, de mobilier et de décoration intérieure. Enfin, le Paris des années 1910 découvre les ballets russes de Serge Diaghilev, mêlant danse, musique, et peinture, inspirés des « Mille et une nuits », ils sont une invitation au luxe et à l’exotisme; les costumes sont créés par Léon Bakst et bien d’autres. Doù la mode des éventails, des plumes, des jets deau, des couleurs vives. Les couleurs insolites simposeront dans le décor et le mobilier : on verra des boudoirs aux murs orangés, des salons tendus de noir. Ordre, couleur et géométrie : l’essentiel du vocabulaire Art déco est posé. Les années folles La Première Guerre mondiale a profondément blessé les économies et sociétés française et allemande. Tandis que l’Allemagne des années 1920 est assommée sous les coups de la défaite et d’une grave crise économique (dont témoigneront les artistes de la Nouvelle Objectivité), la France voit son économie repartir. Cette reprise ne peut faire oublier les difficultés sur le terrain. Les villes détruites avaient besoin d’être reconstruites (telles Reims et Saint-Quentin par exemple, détruites à 80 % pendant la guerre, qui seront reconstruites en grande partie dans un style architectural Art Déco). Par ailleurs, l’instabilité monétaire génère une hausse des prix constantes jusqu’en 1927 et la. Législation sur les loyers cause une forte crise du logement pour les classes populaires et moyennes. Mais le début des années 1920 voit aussi les manifestations de la fortune intacte des classes les plus aisées. À Paris, comme dans les grandes villes de province, les commentateurs de l’époque observent la construction de riches immeubles de rapport, villas et hôtels particuliers. Autant de chantiers prolifiques pour les artistes décorateurs et les architectes Art déco. L’item « PASQUIER (XX) HsT Signée datée 1964 / Nu / Pin up / Art déco / Fauvisme Fauvism » est en vente depuis le dimanche 27 décembre 2015. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « galerie_d.art » et est localisé à/en Paris. Cet article peut être expédié aux pays suivants: Amérique, Europe, Asie, Australie.

Type: Huile sur toile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Thème: Nu
Caractéristiques: Signé
Style: 1940-1960

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]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/pasquier-xx-hst-signee-datee-1964-nu-pin-up-art-deco-fauvisme-fauvism/feed/ 0 Jean DE GAVARDIE (1909-1961) HsT Années 40 ou 50 Fauvisme Fauvism Ecole de Paris https://tableaupeinturesurtoile.com/jean-de-gavardie-1909-1961-hst-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism-ecole-de-paris/ https://tableaupeinturesurtoile.com/jean-de-gavardie-1909-1961-hst-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism-ecole-de-paris/#comments Thu, 09 Nov 2017 18:15:58 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/jean-de-gavardie-1909-1961-hst-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism-ecole-de-paris/ Read more]]>

Jean DE GAVARDIE (1909-1961) HsT Années 40 ou 50 Fauvisme Fauvism Ecole de Paris

Huile sur toile Oil on canvas. Très belle huile sur toile. Nature morte aux lys. Date : Années 40 ou 50. Signée en bas à gauche. Dimensions : 50 x 61 cm. Beautiful oil on canvas. Still life with lilies. Date: Forties or fifties. Handsigned on the left. Sizes: 19.7″ x 24″ in. Cliquez sur les vignettes / Clic on the pictures. Benezit, Drouot, Akoun, Artprice, salle de ventes. Biographie : Né en 1909, Jean de Gavardie est un peintre français autodidacte. Il a exposé au Salon des Artistes Indépendants entre 1937 et 1961, au Salon d’Automne et au Salon des Tuileries en 1938. En 1951, il a exposé à Madrid, en Espagne, à côté de Raoul Dufy. Il meurt en 1961. Biography: Born in 1909, Jean de Gavardie is a listed, self-taught French painter. He exhibited at the Salon des Artistes Independents between 1937 – 1961, and at the Salon d’Automne and the Salon des Tuileries in 1938. In 1951, he exhibited in Madrid, Spain alongside Raoul Dufy. He died in 1961. Années 1950, LAlternative figurative ou la Jeune peinture : Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, les années 1950 en France sont caractérisées par lexpression dinterrogations existentielles, reflets de langoisse et des incertitudes dune humanité qui découvre létendue de lhorreur nazie, puis les désillusions de la guerre froide. Cette période révèle une nouvelle génération de peintres mûris précocement par les souffrances et les privations des années noires. Ils proposent une vision du monde où lHomme, et non lIdée, occupe une place centrale. Un demi-siècle a passé. Le temps est venu de rendre hommage à ces artistes, à ces collectionneurs, publics et privés, qui ont eu à cur de défendre une alternative figurative face à labstraction conquérante. Françoise Adnet, Paul Aïzpiri, Jean-Pierre Alaux, Guy Bardone, Richard Bellias, André Brasilier, Bernard Buffet, Jacques Busse, Jean-Marie Calmettes, Jean Chevolleau, Paul Collomb, Jean Commère, Jean Cortot, Daniel Dalmbert, Michel de Gallard, René Genis, Raymond Guerrier, Vincent Guignebert, Paul Guiramand, Camille Hilaire, Jean Jansem, Jacques Lagrange, Bernard Lorjou, Jean Marzelle, André Minaux, Marcel Mouly, Michel Patrix, Pierre-Henry , Jean Pollet, Raoul Pradier, Daniel Ravel, Paul Rebeyrolle, Claude Schürr, Michel Thompson, Maurice Verdier, Claude Weisbuch. Le fauvisme est venu du fait que nous nous placions tout à fait loin des couleurs d’imitation et qu’avec les couleurs pures nous obtenions des réactions plus fortes. Le fauvisme est un courant de peinture du début du XXe siècle. Tiré d’une expression du journaliste Louis Vauxcelles, il débuta historiquement à l’automne 1905, lors du Salon d’automne qui créa scandale, pour s’achever moins de dix ans plus tard, au début des années 1910. En fait, dès 1908, il est déjà à son crépuscule. Son influence marqua néanmoins tout l’art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le précurseur du fauvisme était Henri Matisse, mais d’autres artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Braque en ont fait partie. Dans un article « le Salon d’automne » publié dans le Gil blas le 17 octobre 1905, Vauxcelles décrit le salon salle par salle. Il écrit notamment Salle N°VII MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Salle archi-claire, des oseurs, des outranciers, de qui il faut déchiffrer les intentions, en laissant aux malins et aux sots le droit de rire, critique trop aisée. Au centre de la salle, un torse d’enfant et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui modèle avec une science délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l’orgie des tons purs : Donatello chez les fauves. Le fauvisme est caractérisé par l’audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres avaient recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquaient un art fondé sur l’instinct. Ils séparaient la couleur de sa référence à l’objet afin d’accentuer l’expression et réagissaient de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l’impressionnisme. Les sources et objectifs du fauvisme Plusieurs influences communes peuvent être reconnues dans les uvres de ses artistes. Nous assistons, aux alentours de 1900, à un retour imposant de la couleur qui s’avèrera d’autant plus violent que cette couleur semble avoir difficilement supporté l’éclipse assez courte que lui ont fait subir les nabis. Les conceptions lumineuses du « pleinairisme » ensoleillé des impressionnistes se sont effacées devant les faibles éclairages de la lampe des Nabis. Des scènes d’intérieur, des tonalités volontairement assourdies et fidèles au jeu de nuances timides et discrètes, de grands aplats colorés, de radieuses illuminations, d’éclatantes architectures, des scènes de famille sagement bourgeoise à travers la lumière factice du jour venue de fenêtres disparaissant sous des rideaux.. Les impressionnistes constituent la première source. Leurs touches particulières, qui juxtaposent des couleurs pures au lieu de les mélanger, laissant à l’il du spectateur le soin d’effectuer un travail de recomposition, sont reprises par Matisse, qui fut élève de Paul Signac à l’été 1904, et qui les transmet à son tour à Derain. Luxe, calme et volupté (1904) en est un exemple emblématique. Manguin lui-même est à la fois proche de Matisse et de Signac ou Cross, peintres divisionnistes s’il en est, tandis que Camoin fait directement référence à Manet par la concision de son dessin. Les couleurs cristallines impressionnistes sont également reprises, notamment par Manguin, dont la palette est dominée par des tons jaunes et orangés lumineux. Raoul Dufy, quant à lui, reprend fréquemment le thème de la Rue Montorgueil de Monet, dans ses 14 juillet au Havre ou rue pavoisée. Le déploiement des drapeaux en travers de la rue est prétexte au déploiement de la couleur, ce que Monet avait déjà remarqué, et que Marquet avait utilisé la. Même année (14 juillet au Havre). Néanmoins, la composition, avec les lignes des drapeaux qui s’entrecroisent, est. C’est, de ce fait, une revanche forte des couleurs, des lumières et du plein air qui va éclater et qui va entrainer dans la peinture des bouleversements dont il est alors difficile de prévoir les conséquences. C’est donc au Salon d’Automne, alors qu’une salle avait été réservée aux uvres du nouveau groupe d’artistes, que les mots de : « scandale, fumisterie, démence, ignorance » avaient accueilli les tentatives tumultueuses de ces jeunes gens. Le critique Louis Vauxcelles, parlant de la petite tête d’un enfant d’inspiration florentine, uvre du sculpteur Marque, la désigna comme : « Donatello au milieu des fauves ». Cette expression fit fortune et fut utilisée pour définir ce mouvement de Fauvisme. De très jeunes peintres, quelque époque à laquelle ils appartiennent, n’ont jamais rejeté cette parole de l’Écriture : « Il faut tuer ce qui nous précède ». Or, c’est aux alentours de leur vingtième année et sur leurs professeurs que ces jeunes fauves se firent leurs premières dents. À la suite d’une sorte de hasard, l’Académie Julian et l’École des Beaux-Arts virent les apparitions successives de Marquet, Rouault, Camoin, Manquin, Dufy, Braque et à l’atelier Carrière celles de Matisse, Puy, Derain, Laprade, Chabaud parmi les plus valeureux du groupe. Dufy, Marquet, Mérodack-Jeanneau ou Girieud utilisent plutôt la technique de Gauguin, avec de grands aplats. Matisse et Derain n’hésitent pas non plus à s’en servir, et oscillent parfois entre les influences pointillistes et de Gauguin. Dans Japonaise au bord de l’eau Matisse montre cette hésitation, en utilisant des touches assez longues quoique distantes l’une de l’autre, et même, à certains moments, des aplats. De même, Derain compose parfois ses toiles avec de larges rubans de couleurs (Le faubourg de Collioure, 1905), alors que, dans des uvres contemporaines (Bateaux dans le port de Collioure, Effets de soleil sur l’eau), il n’utilise que de petites touches juxtaposées. Le style de Gauguin se retrouve dans un autre élément : l’utilisation du cerne autour des personnages. Celui-ci est particulièrement visible dans la danse d’André Derain (1906). Matisse serait, dans son enthousiasme prononcé pour la couleur et pour la matière, à l’origine de ce mouvement. Il s’attache à lui seul à développer en profondeur certaines données du Fauvisme, notamment lorsque ses compagnons de la première heure abandonnent la nouvelle esthétique pour retourner à des conceptions plus traditionnelles. L’influence de Matisse, autant en France qu’à l’étranger, sur sa génération autant que sur les suivantes, est due à l’universalité d’un art prestigieux qui déborda largement les données propres du Fauvisme plutôt qu’à sa position de chef d’école. C’est sous la conduite de Matisse et aussi sous l’influence de Van Gogh que les futurs fauves Vlaminck, Derain, Manguin… Expriment dans leurs envois au Salon d’Automne un farouche et virulent enthousiasme pour les joies dynamiques des tons les plus crus. Tout de même conscients de cette fragilité de la couleur, ils réagissent contre un Impressionnisme auquel ils. Reprochent comme Cézanne, Renoir ou Gauguin. Son manque de structure, son refus de la notion de permanence. D’autre part les fauves se proposent d’imaginer une réalité plus authentique que celle des apparences, construite solidement par les tons purs. Cette imagination de la réalité a comme source selon Matisse : des chocs émotifs, survenus comme des coups de foudre ou autres images dans le cerveau du Poète. La nouvelle esthétique s’appuie sur des thèmes précis comme l’opposition aux nuances de la palette impressionniste, le goût du monumental, le refus de l’évocation réaliste de la nature et les recherches de transpositions de la couleur. On trouve des visions féériques et multicolores de ciels verts, de fleurs rouges vermillon, d’arbres couleur citron, de visages vert émeraude et ceci, dans l’intention de substituer aux harmonies mesurées mais conventionnelles de l’écriture traditionnelles, des polyphonies colorées par l’emploi de la couleur telle que sortie des tubes que Derain comparera à des cartouches de dynamite. Cézanne aussi est une source d’inspiration importante. Dans La Gitane de 1905, peinte à Saint-Tropez 1, Matisse reprend ainsi la géométrisation du corps des personnages caractéristique du solitaire d’Aix. Derain quant à lui s’en inspire dans La danse, pour mener sa réflexion sur la place de la figure humaine dans un paysage, autant que dans Les baigneuses de 1907, pour styliser ses figures. De même, la composition du Port de Collioure, très réfléchie, fait beaucoup penser à Cézanne. Chez Vlaminck, c’est plutôt l’héritage de Van Gogh que l’on retrouve, comme le montre Partie de campagne réalisée en 1907. Bien qu’hostile aux institutions muséales, il avait découvert cet artiste lors d’une exposition en 1901 chez Bernheim-Jeune, ce qui avait définitivement orienté sa carrière vers la peinture. C’est d’ailleurs à cette même exposition que Derain le présenta à Matisse. Je ne vais jamais au musée, j’en hais l’odeur, la monotonie. Je déteste le mot » classique ». La science me fait mal aux dents. Cette phrase est révélatrice de l’état d’esprit de l’artiste. Il a d’ailleurs toujours refusé de passer pour tel et décida de se former lui-même. Il aime les séduisantes imageries pour leur évocation haute en couleurs, leurs oppositions décidées, pour ce lyrisme léger. Son sentiment de la nature s’affirme aussi comme condition populaire. Sa nature est romancée. Derain le qualifiait comme étant « le plus peintre d’entre nous ». Bien plus que le roman, que la musique, la peinture correspondait chez lui au besoin d’une matière plus concrète capable d’exprimer toute la sensualité d’un empirisme naturel. André Derain effectue sa première contribution au mouvement par une adhésion au principe de l’organisation d’un espace réalisé en fonction de la surface de la toile. Il manifeste à ses débuts un certain esprit d’indécision originaire de son instinct de peintre et d’une culture très étendue ainsi que d’un conflit entre les deux notions. Cette condition là s’aggravera du fait que Matisse et Vlaminck présentent, l’un avec sa prudence, l’autre avec son instinct non contrôlé, deux tendances dont il percevait les effets successifs contraignants. Les amis de Derain connaitront en lui un maître du pinceau, une touche puissante, une aisance sereine et avec une sureté des nuances et aux accents purs et décidés déjà à une virtuosité surprenante, portant la marque d’un tempérament. » Le grand danger pour l’art, c’est l’excès de culture » Que gagne-t-on à manquer de culture? Derain Tout ceci s’exprime donc d’abord par un coloris exubérant donc Derain va s’attacher à pousser l’intensité à un paroxysme dont Vlaminck lui même demeurera le premier surpris, dans une intention de réaliser des harmonies plutôt que des symphonies colorées. Derain est donc le premier à remarquer que la technique des fauves pouvait construire mais pas architecturer une toile. Il est très curieux mais pas forcément audacieux et on s’en apercevra quand le Cubisme l’invitera à surpasser les limites que son instinct le poussait à franchir mais que son esprit le. Contraindra finalement à respecter. Il avait pressenti qu’il existe deux cultures : celle qui devient constructive si. Assimilée, et celle qui ne constitue qu’un simple ornement de l’esprit. C’est à ce dilemme que son uvre se heurte. Si ces hésitations l’ont privé d’une originalité qu’il souhaitait éventuellement, elles ont contribué chez lui à des réussites éclatantes, notamment dans ses compositions fauves. Enfin, une dernière influence : celle des « arts premiers », océanien et africain. Ces arts exotiques, très décriés au XIXe siècle pour leur «laideur» et remis à l’honneur par Gauguin, sont collectionnés par les artistes qui les découvrent lors des expositions universelles. De nombreuses uvres présentent des personnages aux visages stylisés en forme de masque, comme c’est le cas par exemple pour La Gitane de Matisse. Les Fauves s’avisent d’ordre, de mesure dans un domaine où ils redoutent les pires excès, les pires erreurs. Ils usèrent d’un moyen étonnamment brillant : charger la couleur d’organiser sa propre discipline. Le sujet n’est considéré que sous l’angle de sa seule fonction plastique et désormais, le degré d’intensité du ton, la mesure des surfaces peintes, la répartition des blancs, la distribution des cernes expressifs, le développement des arabesques inspirées favorisent la cohésion et l’équilibre souhaités. L’éternel problème de la profondeur et de l’illusion de l’espace est résolu par la puissance et le choix de la place des tons. La lumière n’est plus source d’éclairage, mais d’intensité et tout accident est rejeté au bénéfice de l’essentiel. La simplification est la garantie de la multiplicité des tons. Une toute nouvelle grammaire est imaginée, codifiée selon des logiques personnelles et sans doute l’intention suprême de l’artiste reste de retrouver la sensation première du choc éprouvé et les fauves entendaient laisser l’instinct s’organiser de façon à ne pas trahir la liberté qu’il avait prise vis-à-vis de l’objet de son émotion. Les fauves ne veulent plus compromettre leurs chances d’être compris. Ce mouvement ne durera cependant que le temps de voir surgir quelques uvres magnifiques de lyrisme et de couleurs. La dispersion rapide des fauves atteste que la tentative ne fut pas menée au bout de ses conséquences. Il existe une marge qui reste considérable entre ce que les fauves voulaient être et ce qu’ils sont devenus. Matisse commença à sentir les limites du mouvement et il n’osa pas les franchir, de peur de rompre avec une réalité traditionnelle de la nature dont il ne pouvait se passer. Finalement, le fauvisme s’affirme plus comme une technique qu’une esthétique. L’item « Jean DE GAVARDIE (1909-1961) HsT Années 40 ou 50 Fauvisme Fauvism Ecole de Paris » est en vente depuis le dimanche 9 avril 2017. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « paris*sur*lart » et est localisé à/en Buttes Chaumont, Paris. Cet article peut être expédié aux pays suivants: Amérique, Europe, Asie, Australie.

Type: Huile sur toile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Thème: Nature morte
Caractéristiques: Signé

]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/jean-de-gavardie-1909-1961-hst-annees-40-ou-50-fauvisme-fauvism-ecole-de-paris/feed/ 0 Ruben GROSMAN (1914-2010) HsT Pueblo azul 1970 / Fauvist / Fauvism / Fauviste https://tableaupeinturesurtoile.com/ruben-grosman-1914-2010-hst-pueblo-azul-1970-fauvist-fauvism-fauviste/ https://tableaupeinturesurtoile.com/ruben-grosman-1914-2010-hst-pueblo-azul-1970-fauvist-fauvism-fauviste/#comments Wed, 04 Oct 2017 14:51:36 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/ruben-grosman-1914-2010-hst-pueblo-azul-1970-fauvist-fauvism-fauviste/ Read more]]>

Ruben GROSMAN (1914-2010) HsT Pueblo azul 1970 / Fauvist / Fauvism / Fauviste

Le Oil on canvas. Très belle huile sur toile. Signée et titrée au dos. Beautiful oil on canvas. Handsigned and tiled on the back. Cliquez sur les vignettes / Clic on the pictures. Benezit, Drouot, Akoun, Artprice, salle de ventes, Vlaminck. Biographie : Artiste français, exposant dans de nombreuses galeries prestigieuses : Galerie Michel Ange à Monte Carlo. Salon International de Lutece (Médaille d’or) Salon des Artistes Français Société Nationale des Beaux-Arts, Carrousel du Louvre, salle Le Nôtre Salon International de Lutèce (Médaille d’or) Biography: French judaica artist, exhibiting in many prestigious galleries: Galerie Michelangelo in Monte Carlo. Salon International de Lutece (Gold Medal) Exhibition of French Artists National Society of Fine Arts, Carrousel du Louvre, Le Nôtre room Salon International de Lutece (Gold Medal). Années 1950, LAlternative figurative ou la Jeune peinture : Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, les années 1950 en France sont caractérisées par lexpression dinterrogations existentielles, reflets de langoisse et des incertitudes dune humanité qui découvre létendue de lhorreur nazie, puis les désillusions de la guerre froide. Cette période révèle une nouvelle génération de peintres mûris précocement par les souffrances et les privations des années noires. Ils proposent une vision du monde où lHomme, et non lIdée, occupe une place centrale. Un demi-siècle a passé. Le temps est venu de rendre hommage à ces artistes, à ces collectionneurs, publics et privés, qui ont eu à cur de défendre une alternative figurative face à labstraction conquérante. Françoise Adnet, Paul Aïzpiri, Jean-Pierre Alaux, Guy Bardone, Richard Bellias, André Brasilier, Bernard Buffet, Jacques Busse, Jean-Marie Calmettes, Jean Chevolleau, Paul Collomb, Jean Commère, Jean Cortot, Daniel Dalmbert, Michel de Gallard, René Genis, Raymond Guerrier, Vincent Guignebert, Paul Guiramand, Camille Hilaire, Jean Jansem, Jacques Lagrange, Bernard Lorjou, Jean Marzelle, André Minaux, Marcel Mouly, Michel Patrix, Pierre-Henry , Jean Pollet, Raoul Pradier, Daniel Ravel, Paul Rebeyrolle, Claude Schürr, Michel Thompson, Maurice Verdier, Claude Weisbuch. L’item « Ruben GROSMAN (1914-2010) HsT Pueblo azul 1970 / Fauvist / Fauvism / Fauviste » est en vente depuis le jeudi 18 décembre 2014. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « paris*sur*lart » et est localisé à/en Paris, Buttes-Chaumont. Cet article peut être expédié aux pays suivants: Amérique, Europe, Asie, Australie.

Type: Huile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Thème: Paysage ville
Caractéristiques: Signé

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]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/ruben-grosman-1914-2010-hst-pueblo-azul-1970-fauvist-fauvism-fauviste/feed/ 0 Marcel HORCLOIS (1914-2011) Huile sur toile, Nu / Fauvist / Fauvism / Fauviste https://tableaupeinturesurtoile.com/marcel-horclois-1914-2011-huile-sur-toile-nu-fauvist-fauvism-fauviste-4/ https://tableaupeinturesurtoile.com/marcel-horclois-1914-2011-huile-sur-toile-nu-fauvist-fauvism-fauviste-4/#comments Sat, 19 Aug 2017 12:28:28 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/marcel-horclois-1914-2011-huile-sur-toile-nu-fauvist-fauvism-fauviste-4/ Read more]]>

Marcel HORCLOIS (1914-2011) Huile sur toile, Nu / Fauvist / Fauvism / Fauviste

Huile sur toile marouflée sur panneau Oil on canvas glued on board. Très belle huile cubiste. Signée et datée au dos. Nature morte à la table. Dimensions : 58 x 72 cm. Assez bon état, les bords sont abimés et le quelques manques. Very beautiful cubist oil. Handsigned and dated on the back. Still life with table. 22.8″ x 28.3″ in. Good condition, the edges are damaged and the few misses. Cliquez sur les vignettes / Clic on the pictures. Benezit, Drouot, Akoun, Artprice, salle de ventes, orientalisme, colonialisme. Marcel Horclois, huiliste et aquarelliste était un partisan farouche de l’art figuratif il aimait et pratiquait avec talent le beau dessin et ne s’est jamais départi de la peinture sur le motif, même dans la neige, même avec l’eau de l’aquarelle qui commence à geler dans le pot! Pourtant il cultivait un goût éclectique et s’honorait d’habiter un immeuble, aux allures d’hôtel particulier, qui avait abrité Bram Van Velde. En parisien averti, Marcel Horclois pratiquait les lieux rares, ainsi il a exposé de nombreuses fois ses uvres au café Procope, le plus vieux café littéraire de Paris. Entouré de ses amis, il y accrochait méticuleusement ses aquarelles montrant la Normandie, la Bretagne, l’Auvergne et bien d’autres régions qu’il allait explorer en scooter! Mais au vernissage du Procope, les visiteurs avaient le privilège de boire un verre servi sur le bureau de Jean Jacques Rousseau. Marcel Horquois a exposé au salon des artistes indépendants depuis 1931. Professeur de dessin à la Ville de Paris. Salon d’Automne, Salon des Indépendants, Salon du Procope. Expositions particulières : Deauville, Quimper… Récompenses : médaille d’argent collectivités locales, médaille d’argent Arts Sciences Lettres. Prix de la Ville de Maisse. Son atelier se trouvait dans le 6eme arrondissement de Paris. Il fréquentait notamment le café Procope ou il exposait régulièrement. Il a également était professeur de dessin de la ville de Paris. Le fauvisme est venu du fait que nous nous placions tout à fait loin des couleurs d’imitation et qu’avec les couleurs pures nous obtenions des réactions plus fortes. Le fauvisme est un courant de peinture du début du XXe siècle. Tiré d’une expression du journaliste Louis Vauxcelles, il débuta historiquement à l’automne 1905, lors du Salon d’automne qui créa scandale, pour s’achever moins de dix ans plus tard, au début des années 1910. En fait, dès 1908, il est déjà à son crépuscule. Son influence marqua néanmoins tout l’art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le précurseur du fauvisme était Henri Matisse, mais d’autres artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Braque en ont fait partie. Dans un article « le Salon d’automne » publié dans le Gil blas le 17 octobre 1905, Vauxcelles décrit le salon salle par salle. Il écrit notamment Salle N°VII MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Salle archi-claire, des oseurs, des outranciers, de qui il faut déchiffrer les intentions, en laissant aux malins et aux sots le droit de rire, critique trop aisée. Au centre de la salle, un torse d’enfant et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui modèle avec une science délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l’orgie des tons purs : Donatello chez les fauves. Le fauvisme est caractérisé par l’audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres avaient recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquaient un art fondé sur l’instinct. Ils séparaient la couleur de sa référence à l’objet afin d’accentuer l’expression et réagissaient de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l’impressionnisme. Les sources et objectifs du fauvisme Plusieurs influences communes peuvent être reconnues dans les uvres de ses artistes. Nous assistons, aux alentours de 1900, à un retour imposant de la couleur qui s’avèrera d’autant plus violent que cette couleur semble avoir difficilement supporté l’éclipse assez courte que lui ont fait subir les nabis. Les conceptions lumineuses du « pleinairisme » ensoleillé des impressionnistes se sont effacées devant les faibles éclairages de la lampe des Nabis. Des scènes d’intérieur, des tonalités volontairement assourdies et fidèles au jeu de nuances timides et discrètes, de grands aplats colorés, de radieuses illuminations, d’éclatantes architectures, des scènes de famille sagement bourgeoise à travers la lumière factice du jour venue de fenêtres disparaissant sous des rideaux.. Les impressionnistes constituent la première source. Leurs touches particulières, qui juxtaposent des couleurs pures au lieu de les mélanger, laissant à l’il du spectateur le soin d’effectuer un travail de recomposition, sont reprises par Matisse, qui fut élève de Paul Signac à l’été 1904, et qui les transmet à son tour à Derain. Luxe, calme et volupté (1904) en est un exemple emblématique. Manguin lui-même est à la fois proche de Matisse et de Signac ou Cross, peintres divisionnistes s’il en est, tandis que Camoin fait directement référence à Manet par la concision de son dessin. Les couleurs cristallines impressionnistes sont également reprises, notamment par Manguin, dont la palette est dominée par des tons jaunes et orangés lumineux. Raoul Dufy, quant à lui, reprend fréquemment le thème de la Rue Montorgueil de Monet, dans ses 14 juillet au Havre ou rue pavoisée. Le déploiement des drapeaux en travers de la rue est prétexte au déploiement de la couleur, ce que Monet avait déjà remarqué, et que Marquet avait utilisé la. Même année (14 juillet au Havre). Néanmoins, la composition, avec les lignes des drapeaux qui s’entrecroisent, est. C’est, de ce fait, une revanche forte des couleurs, des lumières et du plein air qui va éclater et qui va entrainer dans la peinture des bouleversements dont il est alors difficile de prévoir les conséquences. C’est donc au Salon d’Automne, alors qu’une salle avait été réservée aux uvres du nouveau groupe d’artistes, que les mots de : « scandale, fumisterie, démence, ignorance » avaient accueilli les tentatives tumultueuses de ces jeunes gens. Le critique Louis Vauxcelles, parlant de la petite tête d’un enfant d’inspiration florentine, uvre du sculpteur Marque, la désigna comme : « Donatello au milieu des fauves ». Cette expression fit fortune et fut utilisée pour définir ce mouvement de Fauvisme. De très jeunes peintres, quelque époque à laquelle ils appartiennent, n’ont jamais rejeté cette parole de l’Écriture : « Il faut tuer ce qui nous précède ». Or, c’est aux alentours de leur vingtième année et sur leurs professeurs que ces jeunes fauves se firent leurs premières dents. À la suite d’une sorte de hasard, l’Académie Julian et l’École des Beaux-Arts virent les apparitions successives de Marquet, Rouault, Camoin, Manquin, Dufy, Braque et à l’atelier Carrière celles de Matisse, Puy, Derain, Laprade, Chabaud parmi les plus valeureux du groupe. Dufy, Marquet, Mérodack-Jeanneau ou Girieud utilisent plutôt la technique de Gauguin, avec de grands aplats. Matisse et Derain n’hésitent pas non plus à s’en servir, et oscillent parfois entre les influences pointillistes et de Gauguin. Dans Japonaise au bord de l’eau Matisse montre cette hésitation, en utilisant des touches assez longues quoique distantes l’une de l’autre, et même, à certains moments, des aplats. De même, Derain compose parfois ses toiles avec de larges rubans de couleurs (Le faubourg de Collioure, 1905), alors que, dans des uvres contemporaines (Bateaux dans le port de Collioure, Effets de soleil sur l’eau), il n’utilise que de petites touches juxtaposées. Le style de Gauguin se retrouve dans un autre élément : l’utilisation du cerne autour des personnages. Celui-ci est particulièrement visible dans la danse d’André Derain (1906). Matisse serait, dans son enthousiasme prononcé pour la couleur et pour la matière, à l’origine de ce mouvement. Il s’attache à lui seul à développer en profondeur certaines données du Fauvisme, notamment lorsque ses compagnons de la première heure abandonnent la nouvelle esthétique pour retourner à des conceptions plus traditionnelles. L’influence de Matisse, autant en France qu’à l’étranger, sur sa génération autant que sur les suivantes, est due à l’universalité d’un art prestigieux qui déborda largement les données propres du Fauvisme plutôt qu’à sa position de chef d’école. C’est sous la conduite de Matisse et aussi sous l’influence de Van Gogh que les futurs fauves Vlaminck, Derain, Manguin… Expriment dans leurs envois au Salon d’Automne un farouche et virulent enthousiasme pour les joies dynamiques des tons les plus crus. Tout de même conscients de cette fragilité de la couleur, ils réagissent contre un Impressionnisme auquel ils. Reprochent comme Cézanne, Renoir ou Gauguin. Son manque de structure, son refus de la notion de permanence. D’autre part les fauves se proposent d’imaginer une réalité plus authentique que celle des apparences, construite solidement par les tons purs. Cette imagination de la réalité a comme source selon Matisse : des chocs émotifs, survenus comme des coups de foudre ou autres images dans le cerveau du Poète. La nouvelle esthétique s’appuie sur des thèmes précis comme l’opposition aux nuances de la palette impressionniste, le goût du monumental, le refus de l’évocation réaliste de la nature et les recherches de transpositions de la couleur. On trouve des visions féériques et multicolores de ciels verts, de fleurs rouges vermillon, d’arbres couleur citron, de visages vert émeraude et ceci, dans l’intention de substituer aux harmonies mesurées mais conventionnelles de l’écriture traditionnelles, des polyphonies colorées par l’emploi de la couleur telle que sortie des tubes que Derain comparera à des cartouches de dynamite. Cézanne aussi est une source d’inspiration importante. Dans La Gitane de 1905, peinte à Saint-Tropez 1, Matisse reprend ainsi la géométrisation du corps des personnages caractéristique du solitaire d’Aix. Derain quant à lui s’en inspire dans La danse, pour mener sa réflexion sur la place de la figure humaine dans un paysage, autant que dans Les baigneuses de 1907, pour styliser ses figures. De même, la composition du Port de Collioure, très réfléchie, fait beaucoup penser à Cézanne. Chez Vlaminck, c’est plutôt l’héritage de Van Gogh que l’on retrouve, comme le montre Partie de campagne réalisée en 1907. Bien qu’hostile aux institutions muséales, il avait découvert cet artiste lors d’une exposition en 1901 chez Bernheim-Jeune, ce qui avait définitivement orienté sa carrière vers la peinture. C’est d’ailleurs à cette même exposition que Derain le présenta à Matisse. Je ne vais jamais au musée, j’en hais l’odeur, la monotonie. Je déteste le mot » classique ». La science me fait mal aux dents. Cette phrase est révélatrice de l’état d’esprit de l’artiste. Il a d’ailleurs toujours refusé de passer pour tel et décida de se former lui-même. Il aime les séduisantes imageries pour leur évocation haute en couleurs, leurs oppositions décidées, pour ce lyrisme léger. Son sentiment de la nature s’affirme aussi comme condition populaire. Sa nature est romancée. Derain le qualifiait comme étant « le plus peintre d’entre nous ». Bien plus que le roman, que la musique, la peinture correspondait chez lui au besoin d’une matière plus concrète capable d’exprimer toute la sensualité d’un empirisme naturel. André Derain effectue sa première contribution au mouvement par une adhésion au principe de l’organisation d’un espace réalisé en fonction de la surface de la toile. Il manifeste à ses débuts un certain esprit d’indécision originaire de son instinct de peintre et d’une culture très étendue ainsi que d’un conflit entre les deux notions. Cette condition là s’aggravera du fait que Matisse et Vlaminck présentent, l’un avec sa prudence, l’autre avec son instinct non contrôlé, deux tendances dont il percevait les effets successifs contraignants. Les amis de Derain connaitront en lui un maître du pinceau, une touche puissante, une aisance sereine et avec une sureté des nuances et aux accents purs et décidés déjà à une virtuosité surprenante, portant la marque d’un tempérament. » Le grand danger pour l’art, c’est l’excès de culture » Que gagne-t-on à manquer de culture? Derain Tout ceci s’exprime donc d’abord par un coloris exubérant donc Derain va s’attacher à pousser l’intensité à un paroxysme dont Vlaminck lui même demeurera le premier surpris, dans une intention de réaliser des harmonies plutôt que des symphonies colorées. Derain est donc le premier à remarquer que la technique des fauves pouvait construire mais pas architecturer une toile. Il est très curieux mais pas forcément audacieux et on s’en apercevra quand le Cubisme l’invitera à surpasser les limites que son instinct le poussait à franchir mais que son esprit le. Contraindra finalement à respecter. Il avait pressenti qu’il existe deux cultures : celle qui devient constructive si. Assimilée, et celle qui ne constitue qu’un simple ornement de l’esprit. C’est à ce dilemme que son uvre se heurte. Si ces hésitations l’ont privé d’une originalité qu’il souhaitait éventuellement, elles ont contribué chez lui à des réussites éclatantes, notamment dans ses compositions fauves. Enfin, une dernière influence : celle des « arts premiers », océanien et africain. Ces arts exotiques, très décriés au XIXe siècle pour leur «laideur» et remis à l’honneur par Gauguin, sont collectionnés par les artistes qui les découvrent lors des expositions universelles. De nombreuses uvres présentent des personnages aux visages stylisés en forme de masque, comme c’est le cas par exemple pour La Gitane de Matisse. Les Fauves s’avisent d’ordre, de mesure dans un domaine où ils redoutent les pires excès, les pires erreurs. Ils usèrent d’un moyen étonnamment brillant : charger la couleur d’organiser sa propre discipline. Le sujet n’est considéré que sous l’angle de sa seule fonction plastique et désormais, le degré d’intensité du ton, la mesure des surfaces peintes, la répartition des blancs, la distribution des cernes expressifs, le développement des arabesques inspirées favorisent la cohésion et l’équilibre souhaités. L’éternel problème de la profondeur et de l’illusion de l’espace est résolu par la puissance et le choix de la place des tons. La lumière n’est plus source d’éclairage, mais d’intensité et tout accident est rejeté au bénéfice de l’essentiel. La simplification est la garantie de la multiplicité des tons. Une toute nouvelle grammaire est imaginée, codifiée selon des logiques personnelles et sans doute l’intention suprême de l’artiste reste de retrouver la sensation première du choc éprouvé et les fauves entendaient laisser l’instinct s’organiser de façon à ne pas trahir la liberté qu’il avait prise vis-à-vis de l’objet de son émotion. Les fauves ne veulent plus compromettre leurs chances d’être compris. Ce mouvement ne durera cependant que le temps de voir surgir quelques uvres magnifiques de lyrisme et de couleurs. La dispersion rapide des fauves atteste que la tentative ne fut pas menée au bout de ses conséquences. Il existe une marge qui reste considérable entre ce que les fauves voulaient être et ce qu’ils sont devenus. Matisse commença à sentir les limites du mouvement et il n’osa pas les franchir, de peur de rompre avec une réalité traditionnelle de la nature dont il ne pouvait se passer. Finalement, le fauvisme s’affirme plus comme une technique qu’une esthétique. L’item « Marcel HORCLOIS (1914-2011) Huile sur toile, Nu / Fauvist / Fauvism / Fauviste » est en vente depuis le mardi 22 novembre 2016. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Art du XXe, contemporain\Peintures ». Le vendeur est « paris*sur*lart » et est localisé à/en Buttes Chaumont, Paris. Cet article peut être expédié aux pays suivants: Amérique, Europe, Asie, Australie.

Type: Huile sur toile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Thème: Nature morte
Caractéristiques: Signé

]]> https://tableaupeinturesurtoile.com/marcel-horclois-1914-2011-huile-sur-toile-nu-fauvist-fauvism-fauviste-4/feed/ 0 Marcel HORCLOIS (1914-2011) Huile sur toile, Nu / Fauvist / Fauvism / Fauviste https://tableaupeinturesurtoile.com/marcel-horclois-1914-2011-huile-sur-toile-nu-fauvist-fauvism-fauviste-3/ https://tableaupeinturesurtoile.com/marcel-horclois-1914-2011-huile-sur-toile-nu-fauvist-fauvism-fauviste-3/#comments Sat, 19 Aug 2017 12:28:27 +0000 http://tableaupeinturesurtoile.com/marcel-horclois-1914-2011-huile-sur-toile-nu-fauvist-fauvism-fauviste-3/ Read more]]>

Type: Huile sur toile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Thème: Nature morte
Caractéristiques: Signé

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Type: Huile sur toile
Période: XXème et contemporain
Genre: Fauvisme
Thème: Nature morte
Caractéristiques: Signé

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